Praxis
Jacobo Castellano. El mantel y el telón
Sala Sur, hasta el 5 de septiembre

Entrevista con Jacobo Castellano en Facebook
Foro del proyecto en la página de ARTIUM en Facebook
Colección de fotos del proyecto en el canal ARTIUM en Flickr

ARTIUM
Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
Francia, 2401002 Vitoria-Gasteiz
+34 945 20 90 00
museo@artium.org
www.artium.org

El artista andaluz ha interactuado con decenas de personas que le han hecho llegar fotografías, dibujos y comentarios para contribuir a construir su proyecto.

El artista andaluz Jacobo Castellano concluye el proyecto El mantel y el telón que ha desarrollado a lo largo de las últimas semanas en ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz y cuyo resultado final puede verse hasta el 5 de septiembre.

A partir de una sala vacía y con la colaboración de numerosos agentes externos con quienes se ha comunicado a través del fax, del correo electrónico y de las redes sociales, Castellano ha dado forma a una exposición sobre uno de los temas que más le ocupa: la memoria y los espacios que habitamos como lugares de conflicto. Basado en una experiencia personal vivida en la hoy decrépita feria de Coney Island, en Nueva York, el proyecto incluye objetos, dibujos, fotografías y las impresiones de fax y de correos electrónicos, que han contribuido a construir el proyecto. El mantel y el telón mantiene una línea de participación abierta a través del correo praxis.artium@gmail.com , que tendrá su reflejo en el fanzine Praxis editado con motivo de la realización del proyecto.

El mantel y el telón, el proyecto que Jacobo Castellano desarrolla en ARTIUM dentro del programa Praxis, toma como punto de partida el impacto que produjo en el artista, durante una estancia en Nueva York hace un año, la visita al decadente parque de atracciones de Coney Island, y en concreto a una atracción que prometía la contemplación de “la mujer más pequeña del mundo”, de nombre Elisabeth. La sensación de malestar y degradación que provocó esta mujer, deforme, delgadísima, descuidada, es el origen de este proyecto. Como indica Castellano en el texto introductorio, “no es mi intención hacer ninguna crítica social ni política sobre ciertas prácticas degradantes… Mi único y humilde propósito es el de intentar contar a través de la escultura, el objeto y el dibujo el mal de estómago que me produjo el haber subido las escaleras de aquella caseta”.

Con esa idea en la cabeza, durante las últimas seis semanas, Jacobo Castellano ha trabajado en una sala inicialmente vacía en la que sólo había un fax, un ordenador y una escultura, una placa conmemorativa sin ningún tipo de inscripción y cubierta con una cortinilla que parecía dar la impresión de que -todavía- no había nada que inaugurar. A lo largo de este tiempo, Castellano ha interactuado con decenas de personas que le han hecho llegar imágenes, dibujos, bocetos, vídeos, ideas y comentarios sobre el tema en cuestión. Toda esa información “son las piezas de un puzzle que tengo que ir armando pero cuya imagen final desconozco“, aseguraba el artista en una entrevista en el canal de Facebook de ARTIUM, en la que afirmaba igualmente que “esta aventura no está exenta de riesgos en el sentido de que desconocemos el resultado material de la misma”.

Jacobo Castellano ha completado finalmente ese puzzle con una exposición, El mantel y el telón, en la que pueden verse diversos objetos surgidos de la interactuación del artista con sus voluntarios colaboradores externos. Todos ellos, muchos con aspecto de premeditada precariedad o deterioro, aluden al universo del espectáculo decadente del que nace la idea originaria detrás del proyecto del artista. Por otro lado, el fanzine que ha acompañado todo el proceso ha evolucionado igualmente gracias a la participación externa, pasando de 8 a las 32 páginas de que ahora dispone.

El proyecto El mantel y el telón ha supuesto tanto para Jacobo Castellano como para el propio centro-museo la asunción de diferentes retos, entre ellos las anteriormente mencionadas incógnitas en torno al resultado final debido a la singularidad del proceso desarrollado. Por otro lado, Castellano ha pasado de trabajar “de manera silenciosa en un taller” a hacerlo a la vista del público en una sala donde se puede apreciar “todo un abanico de dudas, concesiones, miedos y otros factores” que intervienen en el proceso de gestación de una obra. En ese sentido, el artista ha conocido también una forma de contacto con el público distinta. “El primer receptor de mi trabajo soy yo mismo (…) porque soy el primero en verlo. Es curioso que cuando estoy trabajando en la sala abierta al público esta jerarquía se rompe y comparto esa primera visión con el público que entra en la sala. La gente que entra no se enfrenta a un trabajo acabado sino a las dudas, miedos, aciertos y fracasos que integran esta labor”.

Aunque el proyecto haya concluido en su aspecto de instalación, El mantel y el telón todavía evolucionará a lo largo del mes de agosto gracias a las aportaciones que se hagan a través del correo electrónico praxis.artium@gmail.com , que tendrán su reflejo en el fanzine que se ha editado como en cada ocasión que se activa el programa Praxis. El fanzine seguirá evolucionado y en su caso creciendo a lo largo de las próximas semanas.

Exposiciones en ARTIUM
El tiempo que venga. La Colección IX
Sala Sur, hasta el 5 de septiembre

Juan Hidalgo. Desde Ayacata
Sala Norte, hasta el 29 de agosto

Txuspo Poyo. U.N(inverse)
Sala Este Baja, hasta el 5 de septiembre

Praxis: Jacobo Castellano. El mantel y el telón
Sala Sur, hasta el 5 de septiembre

Ars Itineris. El camino en el arte contemporáneo
Sala Este Alta, hasta el 12 de septiembre

La letra filmada. Exposición bibliográfica
Sala Seminario, hasta el 5 de septiembre

La luna. Exposición infantil
Antesala, hasta el 5 de septiembre

Proximamente
Basado en hechos reales. Colección ARTIUM X
Sala Sur, a partir del 2 de octubre

Aitor Lajarín. From Here To Everywhere
Sala Este Baja, a partir del 2 de octubre

Jaime Davidovich. Bitting The Hand That Feeds You
Sala Norte, a partir del 2 de octubre

Praxis: Avelino Sala
Sala Sur, a partir del 2 de octubre

Francisco Ruiz de Infante. BlueSky
Sala Seminario, a partir del 2 de octubre

Miedo. Exposición infantil
Antesala, a partir del 2 de octubre

Horario del centro-museo
Martes, miércoles y jueves: de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 horas
Viernes, sábado y domingo: de 11.00 a 14.00 y de 16.00 a 21.00 horas
Lunes no festivos, cerrado

Horario de la Biblioteca y Centro de Documentación
De lunes a viernes: de 11.00 a 14.00 horas y de 16.00 a 19.30 horas
Sábados de 10:00 a 14:00 horas
Domingos, cerrado

Viaje Cósmico

El cosmos de la vanguardia rusa. Arte y exploración espacial 1900-1930 es una exposición organizada por la Fundación Botín que muestra cómo Kandinsky, Malévich, Tatlin y otros representantes de la vanguardia rusa se inspiraron en la búsqueda de otros mundos y en el cosmos, anticipándose a la era espacial que comenzaría con el lanzamiento del Sputnik en 1957.

Esta exposición es la primera en centrar su atención en las aportaciones modernas rusas. Como señalan los comisarios, la exposición no sólo muestra interés por las interpretaciones artísticas del espacio sideral o por los proyectos visionarios de los científicos, sino que recoge expresamente la confluencia entre el arte plástico y la cosmonáutica.

El cosmos de la vanguardia rusa. Arte y exploración espacial 1900-1930 se muestra en la sala de la Fundación Botín en Santander entre el 24 de junio y el 19 de septiembre de 2010.

La exposición reúne obras de los artistas rusos más significativos y relevantes que trabajaron en la época anterior y posterior a la Revolución de octubre de 1917, como Kandinsky o Malévich, y pone de relieve la relación entre sus creaciones y la investigación astrofísica y cosmonáutica de principios del siglo XX en Rusia.

Además de obras maestras de la pintura o del dibujo, fotografías y posters originales de época, la exposición se completa con objetos relacionados con las primeras investigaciones espaciales: el modelo de cohete de Konstantin Tsiolkovsky; los componentes del planeador llamado Letatlin de Vladimir Tatlin (1929-32); o las máquinas visionarias de Ari Abramovich Shternfeld (Ary Sternfeld, 1905-1980) y de Fridrikh Tsander (1924). Como señala el catálogo, sin los esfuerzos de Tsander, Korolev y Sternfeld, en particular, habría resultado inconcebible el triunfo del programa espacial ruso, un triunfo que culminó con el lanzamiento del primer cohete artificial el 4 de octubre de 1957, el Sputnik, del que se muestra una reproducción en la exposición. De Tsander se muestra su cohete GIRD-10, primer cohete experimental soviético con motor de propulsion de combustibles líquidos, lanzado en 1933 y reconstruído en 1970; y su cohete alado de 1924, en una reproducción hecha para la exposición.

La muestra de la Fundación Botín se presenta como un homenaje a aquellos pioneros que hicieron posible llegar al espacio.

Cuenta con la aportación del State Museum of Contemporary Art-Costakis Collection de Tesalónica (Grecia) y de la Aliki Costakis Private Collection de Atenas (Grecia), presentes en la muestra con 56 obras de sus colecciones. Además de préstamos de las instituciones rusas más importantes, incluye piezas del Centro Georges Pompidou de París, el Muzeum Sztuki Lodz de Polonia, el Museu Te Papa de Nueva Zelanda o la Galeria Lorenzelli de Milán.

Los comisarios son: John E. Bowlt (Universidad del Sur de California, Los Ángeles, EE.UU.), Nicoletta Misler (Universidad de Nápoles “L’Orientale”, Nápoles, Italia) y Maria Tsantsanoglou (directora del Museo Estatal de Arte Contemporáneo de Tesalónica, Grecia)

El vídeo recoge un recorrido por la sala y comentarios de los comisarios

Como antesala para situar al público, la Fundación Botín organizó en junio un ciclo de cine con películas irrepetibles como Aelita o El hombre con la cámara y una charla del astronauta español Pedro Duque. En julio y agosto tiene lugar el taller para niños Cohetes, planetas y … arte ¡Viajamos al cosmos!.

El catálogo, en español e inglés, incluye textos sobre el arte y las exploraciones espaciales en la Rusia de principios del siglo XX. Su precio es de 30 euros y puede comprarse en la Fundación o a través de Egartorre.

EXPOSICIÓN

El cosmos de la vanguardia rusa. Arte y exploración espacial 1900-1930
Lugar: sala de exposiciones de la Fundación Botín, en la calle Marcelino Sanz de Sautuola 3 de Santander. España.

Fechas apertura público: del 24 de junio al 19 de septiembre de 2010.
Horario diario: de 12 a 14 y de 17 a 21,30 horas. Entrada libre.

+34 942 22 60 72

www.fundacionbotin.org

Narciso es perseguido y finalmente asesinado por los alumnos del Master Universitario en Arte Contemporáneo de la Universidad Europea de Madrid.
Inauguración de la exposición Killing Narcissus el 17 de junio a las 20:00hrs EN EL ESPACIO DE ARTE CONTEMPORÁNEO OFF LIMITS.

Y presentación de los proyectos finales de los alumnos del Máster Universitario en Arte Contemporáneo de la Universidad Europea de Madrid en CaixaForum Madrid, el 24 de junio a las 19:00 hrs.

¿Dónde fue a parar la egolatría en el arte? Ni rastro, no hay testigos, pero las comisarias de la exposición Killing Narcissus, de los alumnos del Máster Universitario en Arte Contemporáneo de la Universidad Europea de Madrid (MUAC), que se inaugura el próximo 17 de junio en Off Limits, tienen varios sospechosos.

En el suceso parecen estar implicados Rómulo Bañares, Antonio Buchannan, Darío Buñuel, Susana Fernández Blanco, Beatriz Hoyos, Leticia Izquierdo, Fiacha O´Donnell y Federico Sposato, artistas que desde una perspectiva multidisclipinar abordan cuestiones como el género, la tecnología, el suicidio, la exclusión social o el vacío identitario. Video performances, instalaciones, fotografía y pintura son las interesantes pruebas que han dejado en la escena del crimen.

Killing Narcissus se plantea como una reflexión en torno al hedonismo de nuestra sociedad, centrada en la búsqueda del placer personal, el culto al cuerpo, a la juventud y la belleza. Narciso, o el hedonismo emergente, es la condición por excelencia de una cultura estandarizada y centrada en la comercialización del deseo. Matarlo es demostrar que es posible una realidad menos ideal y ficcionada. Es asumir lo que no se quiere ver. La vejez, la muerte, la fragilidad, el fracaso pueden ser los pilares de una felicidad menos utópica y aparente.

QUÉ Killing Narcissus. Exposición alumnos del Máster Universitario en Arte Contemporáneo.

ARTISTAS PARTICIPANTES Rómulo Bañares, Antonio Buchannan, Darío Buñuel, Susana Fernández Blanco, Beatriz Hoyos, Leticia Izquierdo, Fiacha O´Donnell y Federico Sposato.

COMISARIAS Beatriz Castillo López y Elena García Crespo

CUÁNDO Del 17 al 30 de junio
Horario: De lunes a viernes de 12 a 20 horas
Sábados de 12 a 14 h
Inauguración: 17 de junio, 20 horas

DÓNDE Espacio Off Limits: C/ Escuadra, 11. Bajo. 28012 Madrid (Lavapiés)
Metro: L3 Lavapiés, L1 Antón Martín

PROMUEVE Universidad Europea de Madrid

COLABORA Off Limits

INFORMACIÓN ADICIONAL Disponibles imágenes en alta resolución y entrevistas con los comisarios y artistas de la exposición.

Exposición: El paisaje como idea: proyectos y proyecciones,  1960-1980

Comisaria: Berta Sichel                  

Lugar: Koldo Mitxelena Kulturunea - Erakustaretoa

Inauguración: 10 junio, 19:30

Fecha: 10 junio-25 Septiembre 2010

Artistas en exposición: Joseph Beuys, Jane Crawford y Robert Fiore, Walter De Maria, Agnes Denes, Jan Dibbets, Barry Flanagan, Hammish Fulton, Helen and Newton Harrison, Michael Heizer, Nancy Holt, Stephen Kaltenbach, Richard Long, Anthony McCall, Ana Mendieta, Dennis Oppenheim, Gerry Schum, Robert Smithson, Chris Welsby

Una agrupación histórica de obras que fueron vanguardistas hace décadas y que hoy son ya clásicas no llama mucho la atención en el periodo actual de retrospectivas monográficas de gran éxito de público. El grupo ecléctico de artistas internacionales que presentamos en esta exposición y su provocativa obra nos recuerda lo perturbador que puede ser el arte en nuestra conciencia, un poder de perturbación intelectual que podría haber sido el trasfondo del marco conceptual de la exposición y de la selección de los artistas. Y este es el objetivo básico del proyecto: revelar cómo hace 40 años un grupo de artistas tuvo la clarividencia de abordar el arte de formas alternativas: una postura muy importante también en nuestros tiempos. En su obra, la tierra ejerció de catalizador de cambios artísticos, expandiendo incluso el uso de los medios electrónicos en el arte.

De clara relevancia para la actual generación de artistas interesados en la ecología y el medioambiente, la exposición «El paisaje como idea: proyectos y proyecciones, 1960-1980» es una reconsideración del interés por la ecología a la luz del conceptualismo y de los medios electrónicos. Desarrollada durante tres años y producida por el centro Koldo Mitxelena El paisaje como idea intenta mostrar hoy al público contemporáneo, en el contexto de una sociedad de masas global en la que el impacto de los desastres ecológicos ha sido catastrófico, cómo la tierra y la ecología se convirtieron en objeto de un arte innovador e imaginativo en un contexto histórico específico.

Tras décadas de industrialización desenfrenada y muchas palabras pero poca acción para frenar los efectos de la alta densidad demográfica, la polución, los residuos radiactivos y la contaminación del aire y del agua, suena de nuevo la alarma. Y lo hace con fuerza y en alta definición; en películas y en pantallas LCD, las noticias entran todos los días en nuestra sala de estar.

Los artistas contemporáneos han abordado el cambio climático y en los últimos años los museos y galerías han expuesto obras en varios formatos que plantean preguntas sobre la ecología en general. Aunque muchas son provocativas, la mayoría siguen las convenciones del arte actual: no exploran formas nuevas de hacer arte ni adoptan una postura crítica sobre el papel del arte en la sociedad. Numerosas piezas recientes que se exhiben bajo el término genérico de ecología abordan el deterioro del planeta, pero casi podríamos compararlas con pinturas realistas, sin fuerza para contrastar el lenguaje de lo real con el de lo simbólico. 

«El paisaje como idea: proyectos y proyecciones, 1960-1980» reúne una selección de obras de artistas que durante más de dos décadas demostraron su deseo de expandir las posibilidades del arte y desafiar los límites de las paredes de museos y galerías. Además, manifestaron el anhelo de que su arte fuera comprendido más que consumido. Este factor ha sido durante mucho tiempo objeto de controversia, puesto que la mayoría de las piezas, incluso las creadas en lugares remotos, se han documentado con dibujos, fotografías o películas que han terminado por exponerse en espacios convencionales y por entrar en el mercado del arte. 

El paisaje como idea incluye dibujos, collages, fotografías, vídeos y material de archivo de artistas, algunos habitualmente asociados al land art (Robert Smithson, Richard Long, Jan Dibbets, Hamish Fulton, Dennis Oppenheim y Nancy Holt) y otros que normalmente no se citan en los libros sobre land art, como Ana Mendieta, de cuya obra se suele hablar en términos corporales o identitarios, y el cineasta Chris Welsby, cuyo «interés por el paisaje y por la investigación de sistemas complejos de la naturaleza» le empujó a ir más allá de lo que comúnmente se conoce como cine estructural británico. 

La exposición también incluye a Agnes Denes y a la pareja Helen y Newton Harrison, otros tres artistas cuya obra suele encuadrarse en la corriente afín al arte medioambiental o ecológico. Dado que su profético arte es poco conocido en España, esta exposición les ha otorgado un amplio espacio.

El uso del vídeo y de prácticas performativas por artistas asociados al land art o el earthworks es otro punto que la muestra desea enfatizar. El paisaje como idea incluye piezas audiovisuales como documento y también como obra de arte. Entre las más destacadas figuran siete películas que Gerry Schum grabó para la televisión desde su galería televisiva Fernsehgalerie Gerry Schum, concebida «para desactivar la dicotomía… existente entre los medios de comunicación de masas y el arte vanguardista» Los filmes coinciden con el deseo utópico de muchos artistas del periodo de que la televisión funcionase como soporte artístico.

Land Art (1969) engloba breves proyecciones -de entre dos y seis minutos- de Richard Long, Barry Flanagan, Dennis Oppenheim, Robert Smithson, Marinus Boezem, Jan Dibbets y Walter De Maria. Schum pensaba que la exposición Land Art, encargada por el canal uno alemán, sobrepasaría el mercado y sorprendería al público, y además reafirmaría la idea de que la televisión y el vídeo ya habían creado un nuevo medio de comunicación.

La muestra también incluye cartas, fotos, pósteres e invitaciones, una minúscula selección del impresionante archivo de Egidio Marzona que generosamente ha puesto a nuestra disposición. 

CATÁLOGO:
El catálogo editado con motivo de esta exposición recoge textos críticos de la comisaria Berta Sichel, el historiador de arte Joseph Jacobs, el exdirector del museo de arte de la Universidad Brandeit Michael Rush, el sociólogo Jean Paul Brun y la historiadora de arte Moira Roth, ilustrado con imágenes de las obras de la exposición y material del archivo Marzona. 

Tras haber finalizado la serie de exposiciones que en su décimo primera edición han conformado DMencia 2009, la Delegación de Cultura del Ayuntamiento de Doña Mencía convoca la décimo segunda edición, manteniendo sus objetivos de incentivar el interés del público hacia el arte en sus expresiones más contemporáneas, así como fomentar la creatividad y el conocimiento de las artes plásticas actuales. Dmencia es uno de los cinco proyectos que forman parte del programa Periféricos. Arte contemporáneo en la Provincia de Córdoba.

Se compromete de este modo a gestionar una gama de exposiciones que reflejen un recorrido artístico coherente conforme a las siguientes bases:

1.- Podrán participar en el mismo todos los artistas que lo deseen (individual o colectivamente) sin limitación alguna respecto a nacionalidad, residencia o edad. No pudiendo hacerlo mediante la representación a través de galerías de arte.

2.- Serán completamente libres las disciplinas, medios y estilos que concurran en la muestra: pintura, escultura, instalación, fotografía, acción, video, infografía, música, etc.

3.- Los participantes presentarán (de modo individual o colectivo) la siguiente documentación:

I.- Boletín de inscripción debidamente cumplimentado.
II.- Se le dará especial relevancia a la presentación de un dossier gráfico compuesto por un mínimo de diez fotografías ilustrativas de la obra que se va a exponer, adjuntando el título, fecha de realización, técnica y dimensiones (en caso de acciones, instalaciones, videos, infografías… se sustituirán las fotografías por el soporte audiovisual que se considere oportuno). Si se aportaran publicaciones como catálogos de exposiciones individuales o colectivas, habrá que indicar expresamente las imágenes relativas al autor.
III.- Currículum artístico, textos, críticas y cualquier otro documento que se considere de interés para valorar el material aportado.

4.- El plazo de recepción de la documentación finalizará el próximo día 30 de junio a las 14:00 horas, pudiendo ser enviada por correo, agencia de transportes o entregada personalmente a la dirección:
DMencía 2010
Ayuntamiento de Doña Mencía. Delegación de Cultura
Plaza de Andalucía, 1
14.860 Doña Mencía (Córdoba).

5.- Como criterio de evaluación se atenderá a la calidad y originalidad de las propuestas, a su relación con los lenguajes creativos actuales, creatividad e innovación, profesionalidad, interdisciplinariedad y experimentación.

6.- El jurado de selección de propuestas estará presidido por la Concejal de Cultura así como por las siguientes personas del mundo de las artes plásticas que se citan a continuación:

Juan López (artista multimedia y comisario del proyecto Aptitudes)
Guillermo Mora (artista plástico)
Antonio Godoy (director galería Tula Prints. Córdoba)
Paco Pérez Valencia (gestor cultural y artista plástico)
Fernando Bono (artista plástico y gestor cultural)

7.- De entre las propuestas recibidas se seleccionarán a los participantes que concurrirán en una programación de exposiciones a celebrar a lo largo del año 2010 y 2011, teniendo como sede la Sala de Exposiciones de la Casa de la Cultura de Doña Mencía.

8.- En un plazo no superior a 30 días se les devolverá gratuitamente a todos los participantes la documentación, así como la copia del acta del fallo del jurado.

9.- La Delegación de Cultura, por su parte se compromete a llevar a cabo las siguientes gestiones: Transporte de las obras que se expondrán, desde el lugar de origen y retorno (en territorio español), velando por la integridad de las mismas; organización y coordinación de las exposiciones; colaboración en el montaje siguiendo las directrices del autor; invitaciones, inauguración y presentación de las exposiciones así como su vigilancia durante el transcurso de las mismas. Se confeccionará un catálogo común a todas las exposiciones con imágenes en color de las obras, fotografías de los autores, currículos y textos, previo a la presentación de la muestra. De entre las obras expuestas se adquirirá una a cada autor en acuerdo con la Delegación de Cultura, que además proporcionará el desplazamiento y la estancia del artista en la localidad. En ningún caso se producirá obra expresamente para la exposición, debiendo exponerse siempre obras ya producidas.

10.- Por otro lado, los artistas seleccionados se comprometerán a facilitar el envío de las obras que han sido objeto de la propuesta, las cuales deberán venir embaladas en soporte reutilizable, aportar la documentación necesaria para la elaboración del catálogo y estar presente durante el montaje y la inauguración de la exposición, así como el desmontaje.

11.- La presentación de la documentación para participar en la XII edición de la Muestra de Arte Contemporáneo DMencía 2010 implica la aceptación de las bases, así como las decisiones del jurado que serán inapelables.

Más información:
http://www.donamencia.es/
Teléfono: 957-67-60-20

Fecha inauguración y cierre: del 16 de marzo de 2010 al 12 de octubre de 2010 Comisario: Exposición instalada en el Museo Guggenheim Bilbao bajo la dirección curatorial de Alexandra Munroe. - Se trata de la primera muestra monográfica a gran escala dedicada en España a la obra de Anish Kapoor, uno de los artistas más reconocidos e influyentes de su generación   - Concebida en estrecha colaboración con el artista, la exposición incluye obras creadas a lo largo de treinta años de trayectoria, desde la década de 1970 hasta la actualidad. - Una de las piezas destacadas de la muestra es Disparos en el rincón, en la que un cañón dispara proyectiles de cera roja contra la pared de la sala.

El Museo Guggenheim Bilbao se complace en presentar la primera exposición monográfica a gran escala dedicada en España a la obra de Anish Kapoor. Durante los últimos treinta años Kapoor se ha forjado, a nivel internacional, una reputación como uno de los artistas más importantes e influyentes de su generación. Su exploración acerca de la forma y del espacio, y su empleo del color y de los materiales han ejercido una profunda influencia en el curso de la escultura contemporánea.

Organizada por la Royal Academy of Arts de Londres y el Museo Guggenheim Bilbao, la muestra ha sido concebida e instalada en estrecha colaboración con el artista y ofrece una profunda reflexión acerca del método de trabajo y proceso creativo de Kapoor mediante veinte obras de varias series que abarcan desde los años setenta hasta la actualidad.

A lo largo de la segunda planta del Museo, la muestra propone al visitante una sucesión de experiencias visuales y psicológicas, con la intención de atraerlo hacia el lenguaje escultural poético del artista.

Originada en la Royal Academy of Arts, donde fue comisariada por Jean de Loisy, curator independiente, y Adrian Locke, Curator de Exposiciones de la Royal Academy of Arts, la exposición en el Museo Guggenheim Bilbao ha sido instalada bajo la dirección curatorial de Alexandra Munroe, Curator Senior de Arte Asiático del Solomon R. Guggenheim Museum.

Obras de pigmento

La serie escultórica más temprana que se presenta en el Museo Guggenheim Bilbao se compone de obras realizadas con pigmento en polvo aplicado a formas geométricas que parecen surgir de las paredes y del suelo.

Sobre el vacío

Tras las primeras piezas de pigmento, Kapoor decide excavar el objeto. Adán (Adam, 1988-89) y Sin título (1990), incluidas en esta exposición, son dos ejemplos clave de las primeras exploraciones del artista sobre la idea del vacío.

Amarillo (Yellow, 1999)

Amarillo es una pieza monumental en la que Kapoor emplea el color como instrumento para abarcar y subvertir la forma.

No objetos

Una gran sala diseñada por Gehry acoge una instalación de esculturas realizadas en acero inoxidable pulido, que sólo parecen cobrar vida como objetos reales cuando la imagen activa del visitante se refleja en su superficie.

Mi patria roja (My Red Homeland, 2003)

Mi patria roja es un vasto paisaje rojo que consta de un aspa de metal que, movida por un motor, gira de forma casi imperceptible dentro de un contenedor circular abierto que contiene veinticinco toneladas de cera de color rojo sangre, generando una ilusión óptica.

Disparos en el rincón (Shooting into the Corner, 2008-09)

De manera inexorable y repetida, un cañón dispara proyectiles, a intervalos de 20 minutos, contra un rincón.

Greyman grita, Shaman muere, volutas de humo, belleza evocada (Greyman Cries, Shaman Dies, Billowing Smoke, Beauty Evoked, 2008-09)

Este conjunto de esculturas de cemento ha sido generado mediante un proceso tecnológico, específicamente desarrollado, en el que una impresora tridimensional extrude cemento según un diseño previamente formulado por el artista.

El gran árbol y el ojo (Tall Tree & the Eye, 2009)

Esta deslumbrante obra, consistente en casi ochenta esperas de acero inoxidable, se erige en el estanque norte del Museo Guggenheim Bilbao.

Itinerarios 08-09 es un cruce de proyectos, lenguajes y piezas muy diferentes con las creaciones de José Ramón Ais, David Bestué, Gerardo Custance, Raimond Chaves & Gilda Matilla, Jacobo Castellano, Nuria Fuster, MP & MP Rosado e Ignacio Uriarte, últimos becarios de la Fundación Marcelino Botín.

Son los artistas que fueron seleccionados en la XVI Convoctoria de Becas de Artes Plásticas de la Fundación Botín, una de las vías más seguras para detectar el talento en el ámbito creativo. La selección se hizo entre 844 expedientes internacionales.

A juicio de Rosa Olivares, directora de EXIT y de EXIT Express, miembro del jurado y autora del texto para el catálogo editado por la Fundación, los creadores trabajan en diferentes sitios pero se trata de un lugar sin límites, ese centro donde la imaginación construye la realidad al margen de idiomas y características urbanas. El interés por la sociedad que nos rodea; el paisaje como idea no sólo como una construcción exterior; el romanticismo y la melancolía; o la revisión de lo cotidiano, junto con la construcción de una apariencia que representa un engaño, asoman en los proyectos.

José Ramón Ais (Bilbao 1971) revisa en “Pintoresco” diferentes cánones y teorías estéticas tales como lo sublime y su hibridación- evolución pop contemporánea; David Bestué (Barcelona, 1980) presenta “Formalismo puro. Apuntes sobre la historia de la arquitectura moderna y contemporánea en España“; Gerardo Custance (Madrid, 1976) explora el perímetro de Madrid y la relación con su entorno natural; Raimond Chaves (Bogotá, Colombia 1963) & Gilda Mantilla (Los Angeles, 1967) abordan una ‘Lectura de Lima’ a partir de sus condiciones climatológicas; Jacobo Castellano (Jaén 1976) intenta adentrarse en los diversos perfiles creados por personas anónimas en Internet; Nuria Fuster (Alicante, 1978) presenta su proyecto, ‘Residuos Micrológicos’, desarrollado en China; MP & MP Rosado (Manuel Pedro y Miguel Pablo Rosado, Cádiz, 1971) exhiben su proyecto ‘Melancolía II Y III’, así como esculturas de la serie “Ruinas Menores” y piezas de conchas de “Gabinete”; finalmente, Ignacio Uriarte (Krefeld, Alemania, 1972) utiliza una voz / un cuerpo para la representación de una máquina.

Los siguientes enlaces nos acercan a los artistas y a la exposición:

Video de 2 minutos sobre la exposición:

Vídeo de 5 minutos con comentarios de los artistas:

La exposición Itinerarios 08-09. XVI Becas de Artes Plásticas se muestra hasta el 14 de marzo de 2010 en la sala de exposiciones de la calle Marcelino Sanz de Sautuola 3, de Santander. La entrada es gratuita. Abre todos los días, de 12 a 14 y de 18:30 a 21:30 horas.
Fundación Marcelino Botín
Tel  00 34 942.22.60.72
www.fundacionmbotin.org

Inauguración: 9 de febrero 2010 - 19:30 h
La Galeria Inés Barrenechea inaugurá la exposición  colectiva  Cosas vistas,  el próximo día 9 de febrero a las 19:30 h.

Los fotógrafos y amigos  Baylón, Javier Campano, Vari Caramés, Françoise Núñez y Bernard Plossu  se reúnen  para mostrar su trabajo reciente, resultado  de  sus  paseos por el  mundo.

COSAS VISTAS
Luis Baylón, Javier Campano, Vari Caramés, Françoise Núñez, Bernard Plossu: cinco amigos callejeando con sus cámaras, por las ciudades del mundo, menudo festín, menuda cosecha de choses vues, que decía Victor Hugo en un título que es todo un programa moderno, título que retomamos ahora, castellanizándolo.

Fotografía en la tradición francesa, poesía del callejeo baudelairiano, poesía que en NY encuentra un eco en el muy afrancesado Frank O’Hara y su canto a la Tercera Avenida, poesía que aquí, quizás Ramón………

Callejeo, errancia, viaje, escaparates, una Galicia intemporal, letreros y neones, Italia, fábricas, Marsella multirracial, una India casi tintinesca ( el final de Les cigares du pharaon ), Buenos Aires y un circo que pasa, mendigos, Madrid también, por supuesto, iglesias barrocas recortándose sobre el cielo, altas cuadrigas bancarias, el néon de nuevo del Hotel Mediodía, en la noche de Europa……………

Callejeo, flânerie, passantes, y también el tren, la poesía siempre del tren, nuestro Antonio Machado, Michel Butor y su Modification  Paris-Roma, Walker Evans y sus colores fifties, diciendo la poesía desolada del ferrocarril USA…

Luis Baylón, Javier Campano, Vari Caramés, Françoise Nuñez y Bernard Plossu, cinco amigos, juntos en esta preciosa exposición que ilumina estos cortos días invernales.

Inés Barrenechea Galería de Arte
General Arrando 34
28010 Madrid

+34 91 702 46 84
+ 34 629 325 405
info@inesbarrenechea.com
www.inesbarrenechea.com

Instalada en el stand B8 del Pabellón de Cristal, con artistas procedentes de Argentina, Chile, Colombia y México, que trabajan en España.
Se ha organizado conjuntamente con la Secretaría de Estado para Iberoamérica, con el apoyo de las embajadas y agregadurías culturales de los respectivos países.

Como parte del programa de las acciones conmemorativas de la Comisión para la Conmemoración de la Independencia de las Repúblicas Iberoamericanas y conjuntamente con la Secretaría de Estado para Iberoamérica, Art Madrid dedica un espacio diferenciado, dentro del Pabellón de Cristal, a la celebración de los Bicentenarios, con una exposición de 11 artistas latinoamericanos residentes en España y con nacionalidades de cuatro de los países que celebran su Bicentenario durante el año 2010: Argentina, Chile, Colombia, México.

La exposición se presenta bajo el título de Residentes: Artistas Latinoamericanos en España, y está producida conjuntamente por Art Madrid y la Secretaría de Estado para Iberoamérica, con la colaboración de las Embajadas y Agregadurías Culturales de los respectivos países.

Artistas:

ARGENTINA
Gabriela Bettini Loyarte
Lucila Bristow
Santiago Taccetti

CHILE
Flavia Tótoro
Sara Malinarich

COLOMBIA
Fernando Rubio Ahumada
Laura Ribero
Natalia Granada

MÉXICO
Ander Azpiri
Gustavo Salinas
Rivelino Díaz Bernal

El FRAC Bourgogne/ Fonds régional d’art contemporain de Bourgogne ha invitado a Armando Andrade Tudela (nacido en 1975 en Lima - Perú) a celebrar su primera exposición individual en Francia (comisaria: Eva González-Sancho).

El artista ha realizado una serie de exposiciones individuales, incluyendo la del FRAC Bourgogne, como otras tantas etapas en su reflexión sobre las premisas formales y conceptuales de la Modernidad. En la muestra del FRAC Bourgogne se ha enfrentado más precisamente al espacio como un entorno definido desde un punto de vista arquitectónico, geográfico e incluso social, pero también desde la perspectiva de su funcionalidad como lugar de exposición.

Armando Andrade Tudela ha vivido en Lima, se ha formado en Londres y en los Países Bajos, antes de residir en Francia y, ahora, en Berlín; esto le ha llevado a desarrollar su interés por las proyecciones y traducciones del imaginario y del pensamiento que existen de una cultura a otra. El principal objeto de su trabajo es la circulación de formas en contextos heterogéneos.

Con la escultura, el dibujo, la fotografía y el vídeo como medios, revisa cómo las ideas estéticas son convertidas y asimiladas a nivel local, por ejemplo la forma en que el impacto modernista se ha extendido y ha sido interpretado en el continente latinoamericano.

Andrade Tudela utiliza para ello un vocabulario formal deudor del minimalismo, así como con formas e imágenes que toma prestadas del día a día, tanto de la historia del arte como de la cultura popular.
En su investigación más reciente, ha experimentado con la sala de exposición como lugar “plegable” en el cual las combinaciones de los diferentes elementos ofrecen significados potenciales con la estela que dejan tras de sí.

Cercano en este sentido a muchos artistas de su generación, intentando crear un ambiente que no tiene un único centro de gravedad, sino que desarrolla diversos centros, hasta el infinito. Para su exposición en el FRAC Bourgogne, ha elegido continuar con su exploración del espacio a través de las sensaciones de gravedad, equilibrio y las relaciones de escala y de trayectoria… Lo que esto implica para él es escapar de lo que ya está ahí, para crear, no para causar desasosiego o, como él dice, para generar “oblicuidad”.

Por medio de dispositivos de una identidad híbrida, algo entre escultura, una escenografía de la exposición o arquitectura, y refiriéndose a una gran variedad de contextos, produce un espacio heterogéneo en el que los significados antiguos y nuevos pueden a la vez ser interrogados y reformulados.

Claire Legrand 
Directora adjunta - Responsable del servicio educativo
Armando Andrade Tudela
Vive y trabaja en Berlín y Saint Etienne (FR)
Exposiciones seleccionadas:

2010
Capella MACBA, Museu d’Art Contemporani de Barcelona (Barcelona - ES), individual
Hier, Aujourd’hui, Demain. Aujourd’hui, Demain, Hier. Demain, Hier, Aujourd’hui, Frac Bourgogne (Dijon - FR), individual

2009
Ikon Gallery (Birmingham - GB), individual
Yellow and Green, Museum für Moderne Kunst (Frankfurt-am-Main - DE)
Modernologías. Artistas contemporáneos investigan la modernidad y el modernismo, Museu d’Art Contemporani de Barcelona (Barcelona - ES)

2008
Gamblers Die Broke, Frankfurter Kunstverein (Frankfurt-am-Main - DE) et KunsthalleBasel (Basel - CH), individual
Krobath Galerie (Vienna - AT), individual
Neutre Intense, La Maison Populaire de Montreuil (Montreuil - FR)

2007
Les Signaux de L’Âme, Annet Gelink Gallery (Amsterdam - NL), individual
Brave New Worlds, Walker Art Center Minneapolis (Minneápolis - USA)
Biennale de Lyon (Lyon - FR)

2006
Inka Snow, Carl Freedman Gallery (Londres - GB), individual
Shanghai Biennal, (Shanghai - CN)
Bienal de São Paulo (São Paulo - BR)

2005
Tropical Abstraction, Stedelijk Museum Bureau (Ámsterdam - NL)

2004
Camión, Carl Freedman Gallery (Londres - GB), individual
To Be Political It Has To Look Nice, apex art (Nueva York - USA)

2003
The Bakery, Annet Gelink Gallery (Amsterdam - NL), individual
El Paso, Casa de Cultura Mario Quintana (Porto Alegre - BR)

2002
Interim Show, Royal College of Art (Londres - GB)

2001
XI Concurso Pasaporte para un artista, Centro Cultural Universidad Católica del Perú (Lima - PE)

2000
Proyecto Terreno de experiencia 1, Sala Luis Miro Quesada Garland (Lima - PE), 2000

1999
Irrealidad, Centro Cultural Ricardo Palma (Lima - PE)

1998
Viaje a la Luna, Centro Cultural de España (Lima - PE)

Extraordinarios ensamblajes en metal del gran artista estadounidense Robert Rauschenberg

 
Título: Robert Rauschenberg: Gluts
Comisarios: Susan Davidson y David White
Sedes: Peggy Guggenheim Collection, Venecia;
Museum Tinguely, Basilea y Museo Guggenheim Bilbao
Fechas: 12 de febrero 2010-12 de septiembre 2010

Casi dos años después de la muerte de Robert Rauschenberg, el 12 de mayo de 2008, el Museo Guggenheim Bilbao rinde un homenaje póstumo a este gran artista acogiendo, del 13 de febrero al 12 de septiembre de 2010, Robert Rauschenberg: Gluts, una exposición formada por cerca de sesenta trabajos, que presenta un aspecto poco conocido de su obra en metal por medio de fondos del Patrimonio Rauschenberg y préstamos de instituciones y colecciones privadas de varios países.

Robert Rauschenberg dirigió su atención artística hacia la exploración de las propiedades visuales del metal después de haber experimentado con sus célebres Combines, que fusionaban pintura bidimensional con la escultura a finales de la década de 1950, de sus exploraciones en torno al arte tecnológico de los años sesenta, y tras poner énfasis en las fibras naturales del papel, el cartón y el tejido en los setenta. En 1986, Rauschenberg comenzó a ensamblar objetos metálicos fundidos y a experimentar con sus propias imágenes fotográficas impresas en aluminio, bronce, latón o cobre, con el fin de captar las posibilidades reflexivas, escultóricas, temáticas y de textura del material. El artista siguió creando con este nuevo material de forma intermitente hasta 1995.

En noviembre de 1998 el Museo Guggenheim Bilbao acogía la retrospectiva más completa que se había realizado hasta la fecha del genial artista norteamericano. Una muestra que destacó en el panorama expositivo internacional por la cantidad y calidad de las obras mostradas y que enfatizaba la extraordinaria belleza de los formatos presentados en los recién diseñados espacios de Frank Gehry, propiciando un interesante lenguaje de diálogos y disciplinas. Once años más tarde, el Museo Guggenheim Bilbao cierra el círculo abierto por aquella gran retrospectiva acogiendo Gluts, la última serie en la que el artista trabajó antes de su muerte.

Es Baluard, hasta el 2 de mayo de 2010

Juan Uslé (Santander 1954), como uno de los grandes referentes de la abstracción contemporánea, ha logrado que su obra se encuentre presente en las colecciones públicas más importantes de España, Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Alemania, Bélgica, Irlanda, Austria, Portugal o Japón, así como entre los fondos de Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma donde celebra con Nudos y Rizomas la que es su primera exposición individual en las Illes Balears, una cuidada selección de las obras más complejas y enérgicas de cuantas ha realizado entre 1993 y 2009.

Pinturas de colores vibrantes y de grandes contrastes entre las geometrías y los gestos componen estos Nudos y Rizomas que hacen referencia precisamente a los intrincados gestos así como al crecimiento indefinido de los brotes que en botánica son conocidos como rizomas.

El caos y la intersección de las imágenes que le son cotidianas, el pálpito acelerado de la vida en Nueva York, donde desde 1987 reside buena parte del año, pero también el discurrir de la naturaleza de Saro, Cantabria, donde también tiene estudio, quedan reflejados en estas obras que se contemplan cargadas de superposiciones.

Y es que Juan Uslé, desde un inconformismo manifiesto, busca en la pintura los gestos, los contrastes de formas y de colores que todavía pueden sorprenderle tras casi cuarenta años de ejercicio pictórico.

Según Fernando Francés, comisario de Nudos y Rizomas, en la pintura de Juan Uslé “cada signo, cada aparente e insignificante pincelada, cada rasgo, cada color…están cumpliendo una función determinada“.

El comisario de la muestra, con la que Es Baluard inaugura el año 2010 y con la que celebra el sexto aniversario del museo, propone una mirada atenta a las 21 obras que constituyen la exposición: “el trabajo de Uslé requiere que la mirada del espectador traspase una impresión puramente estética, tan característica a su vez en la obra del artista, para intentar entender, entonando la mirada, cuál pudo ser la intención de un pintor que se divierte jugando con las partículas de un paisaje contaminado de sobras, movimientos, luces y reflejos.”