Itinerarios 08-09 es un cruce de proyectos, lenguajes y piezas muy diferentes con las creaciones de José Ramón Ais, David Bestué, Gerardo Custance, Raimond Chaves & Gilda Matilla, Jacobo Castellano, Nuria Fuster, MP & MP Rosado e Ignacio Uriarte, últimos becarios de la Fundación Marcelino Botín.

Son los artistas que fueron seleccionados en la XVI Convoctoria de Becas de Artes Plásticas de la Fundación Botín, una de las vías más seguras para detectar el talento en el ámbito creativo. La selección se hizo entre 844 expedientes internacionales.

A juicio de Rosa Olivares, directora de EXIT y de EXIT Express, miembro del jurado y autora del texto para el catálogo editado por la Fundación, los creadores trabajan en diferentes sitios pero se trata de un lugar sin límites, ese centro donde la imaginación construye la realidad al margen de idiomas y características urbanas. El interés por la sociedad que nos rodea; el paisaje como idea no sólo como una construcción exterior; el romanticismo y la melancolía; o la revisión de lo cotidiano, junto con la construcción de una apariencia que representa un engaño, asoman en los proyectos.

José Ramón Ais (Bilbao 1971) revisa en “Pintoresco” diferentes cánones y teorías estéticas tales como lo sublime y su hibridación- evolución pop contemporánea; David Bestué (Barcelona, 1980) presenta “Formalismo puro. Apuntes sobre la historia de la arquitectura moderna y contemporánea en España“; Gerardo Custance (Madrid, 1976) explora el perímetro de Madrid y la relación con su entorno natural; Raimond Chaves (Bogotá, Colombia 1963) & Gilda Mantilla (Los Angeles, 1967) abordan una ‘Lectura de Lima’ a partir de sus condiciones climatológicas; Jacobo Castellano (Jaén 1976) intenta adentrarse en los diversos perfiles creados por personas anónimas en Internet; Nuria Fuster (Alicante, 1978) presenta su proyecto, ‘Residuos Micrológicos’, desarrollado en China; MP & MP Rosado (Manuel Pedro y Miguel Pablo Rosado, Cádiz, 1971) exhiben su proyecto ‘Melancolía II Y III’, así como esculturas de la serie “Ruinas Menores” y piezas de conchas de “Gabinete”; finalmente, Ignacio Uriarte (Krefeld, Alemania, 1972) utiliza una voz / un cuerpo para la representación de una máquina.

Los siguientes enlaces nos acercan a los artistas y a la exposición:

Video de 2 minutos sobre la exposición:

Vídeo de 5 minutos con comentarios de los artistas:

La exposición Itinerarios 08-09. XVI Becas de Artes Plásticas se muestra hasta el 14 de marzo de 2010 en la sala de exposiciones de la calle Marcelino Sanz de Sautuola 3, de Santander. La entrada es gratuita. Abre todos los días, de 12 a 14 y de 18:30 a 21:30 horas.
Fundación Marcelino Botín
Tel  00 34 942.22.60.72
www.fundacionmbotin.org

Inauguración: 9 de febrero 2010 - 19:30 h
La Galeria Inés Barrenechea inaugurá la exposición  colectiva  Cosas vistas,  el próximo día 9 de febrero a las 19:30 h.

Los fotógrafos y amigos  Baylón, Javier Campano, Vari Caramés, Françoise Núñez y Bernard Plossu  se reúnen  para mostrar su trabajo reciente, resultado  de  sus  paseos por el  mundo.

COSAS VISTAS
Luis Baylón, Javier Campano, Vari Caramés, Françoise Núñez, Bernard Plossu: cinco amigos callejeando con sus cámaras, por las ciudades del mundo, menudo festín, menuda cosecha de choses vues, que decía Victor Hugo en un título que es todo un programa moderno, título que retomamos ahora, castellanizándolo.

Fotografía en la tradición francesa, poesía del callejeo baudelairiano, poesía que en NY encuentra un eco en el muy afrancesado Frank O’Hara y su canto a la Tercera Avenida, poesía que aquí, quizás Ramón………

Callejeo, errancia, viaje, escaparates, una Galicia intemporal, letreros y neones, Italia, fábricas, Marsella multirracial, una India casi tintinesca ( el final de Les cigares du pharaon ), Buenos Aires y un circo que pasa, mendigos, Madrid también, por supuesto, iglesias barrocas recortándose sobre el cielo, altas cuadrigas bancarias, el néon de nuevo del Hotel Mediodía, en la noche de Europa……………

Callejeo, flânerie, passantes, y también el tren, la poesía siempre del tren, nuestro Antonio Machado, Michel Butor y su Modification  Paris-Roma, Walker Evans y sus colores fifties, diciendo la poesía desolada del ferrocarril USA…

Luis Baylón, Javier Campano, Vari Caramés, Françoise Nuñez y Bernard Plossu, cinco amigos, juntos en esta preciosa exposición que ilumina estos cortos días invernales.

Inés Barrenechea Galería de Arte
General Arrando 34
28010 Madrid

+34 91 702 46 84
+ 34 629 325 405
info@inesbarrenechea.com
www.inesbarrenechea.com

Instalada en el stand B8 del Pabellón de Cristal, con artistas procedentes de Argentina, Chile, Colombia y México, que trabajan en España.
Se ha organizado conjuntamente con la Secretaría de Estado para Iberoamérica, con el apoyo de las embajadas y agregadurías culturales de los respectivos países.

Como parte del programa de las acciones conmemorativas de la Comisión para la Conmemoración de la Independencia de las Repúblicas Iberoamericanas y conjuntamente con la Secretaría de Estado para Iberoamérica, Art Madrid dedica un espacio diferenciado, dentro del Pabellón de Cristal, a la celebración de los Bicentenarios, con una exposición de 11 artistas latinoamericanos residentes en España y con nacionalidades de cuatro de los países que celebran su Bicentenario durante el año 2010: Argentina, Chile, Colombia, México.

La exposición se presenta bajo el título de Residentes: Artistas Latinoamericanos en España, y está producida conjuntamente por Art Madrid y la Secretaría de Estado para Iberoamérica, con la colaboración de las Embajadas y Agregadurías Culturales de los respectivos países.

Artistas:

ARGENTINA
Gabriela Bettini Loyarte
Lucila Bristow
Santiago Taccetti

CHILE
Flavia Tótoro
Sara Malinarich

COLOMBIA
Fernando Rubio Ahumada
Laura Ribero
Natalia Granada

MÉXICO
Ander Azpiri
Gustavo Salinas
Rivelino Díaz Bernal

El FRAC Bourgogne/ Fonds régional d’art contemporain de Bourgogne ha invitado a Armando Andrade Tudela (nacido en 1975 en Lima - Perú) a celebrar su primera exposición individual en Francia (comisaria: Eva González-Sancho).

El artista ha realizado una serie de exposiciones individuales, incluyendo la del FRAC Bourgogne, como otras tantas etapas en su reflexión sobre las premisas formales y conceptuales de la Modernidad. En la muestra del FRAC Bourgogne se ha enfrentado más precisamente al espacio como un entorno definido desde un punto de vista arquitectónico, geográfico e incluso social, pero también desde la perspectiva de su funcionalidad como lugar de exposición.

Armando Andrade Tudela ha vivido en Lima, se ha formado en Londres y en los Países Bajos, antes de residir en Francia y, ahora, en Berlín; esto le ha llevado a desarrollar su interés por las proyecciones y traducciones del imaginario y del pensamiento que existen de una cultura a otra. El principal objeto de su trabajo es la circulación de formas en contextos heterogéneos.

Con la escultura, el dibujo, la fotografía y el vídeo como medios, revisa cómo las ideas estéticas son convertidas y asimiladas a nivel local, por ejemplo la forma en que el impacto modernista se ha extendido y ha sido interpretado en el continente latinoamericano.

Andrade Tudela utiliza para ello un vocabulario formal deudor del minimalismo, así como con formas e imágenes que toma prestadas del día a día, tanto de la historia del arte como de la cultura popular.
En su investigación más reciente, ha experimentado con la sala de exposición como lugar “plegable” en el cual las combinaciones de los diferentes elementos ofrecen significados potenciales con la estela que dejan tras de sí.

Cercano en este sentido a muchos artistas de su generación, intentando crear un ambiente que no tiene un único centro de gravedad, sino que desarrolla diversos centros, hasta el infinito. Para su exposición en el FRAC Bourgogne, ha elegido continuar con su exploración del espacio a través de las sensaciones de gravedad, equilibrio y las relaciones de escala y de trayectoria… Lo que esto implica para él es escapar de lo que ya está ahí, para crear, no para causar desasosiego o, como él dice, para generar “oblicuidad”.

Por medio de dispositivos de una identidad híbrida, algo entre escultura, una escenografía de la exposición o arquitectura, y refiriéndose a una gran variedad de contextos, produce un espacio heterogéneo en el que los significados antiguos y nuevos pueden a la vez ser interrogados y reformulados.

Claire Legrand 
Directora adjunta - Responsable del servicio educativo
Armando Andrade Tudela
Vive y trabaja en Berlín y Saint Etienne (FR)
Exposiciones seleccionadas:

2010
Capella MACBA, Museu d’Art Contemporani de Barcelona (Barcelona - ES), individual
Hier, Aujourd’hui, Demain. Aujourd’hui, Demain, Hier. Demain, Hier, Aujourd’hui, Frac Bourgogne (Dijon - FR), individual

2009
Ikon Gallery (Birmingham - GB), individual
Yellow and Green, Museum für Moderne Kunst (Frankfurt-am-Main - DE)
Modernologías. Artistas contemporáneos investigan la modernidad y el modernismo, Museu d’Art Contemporani de Barcelona (Barcelona - ES)

2008
Gamblers Die Broke, Frankfurter Kunstverein (Frankfurt-am-Main - DE) et KunsthalleBasel (Basel - CH), individual
Krobath Galerie (Vienna - AT), individual
Neutre Intense, La Maison Populaire de Montreuil (Montreuil - FR)

2007
Les Signaux de L’Âme, Annet Gelink Gallery (Amsterdam - NL), individual
Brave New Worlds, Walker Art Center Minneapolis (Minneápolis - USA)
Biennale de Lyon (Lyon - FR)

2006
Inka Snow, Carl Freedman Gallery (Londres - GB), individual
Shanghai Biennal, (Shanghai - CN)
Bienal de São Paulo (São Paulo - BR)

2005
Tropical Abstraction, Stedelijk Museum Bureau (Ámsterdam - NL)

2004
Camión, Carl Freedman Gallery (Londres - GB), individual
To Be Political It Has To Look Nice, apex art (Nueva York - USA)

2003
The Bakery, Annet Gelink Gallery (Amsterdam - NL), individual
El Paso, Casa de Cultura Mario Quintana (Porto Alegre - BR)

2002
Interim Show, Royal College of Art (Londres - GB)

2001
XI Concurso Pasaporte para un artista, Centro Cultural Universidad Católica del Perú (Lima - PE)

2000
Proyecto Terreno de experiencia 1, Sala Luis Miro Quesada Garland (Lima - PE), 2000

1999
Irrealidad, Centro Cultural Ricardo Palma (Lima - PE)

1998
Viaje a la Luna, Centro Cultural de España (Lima - PE)

Extraordinarios ensamblajes en metal del gran artista estadounidense Robert Rauschenberg

 
Título: Robert Rauschenberg: Gluts
Comisarios: Susan Davidson y David White
Sedes: Peggy Guggenheim Collection, Venecia;
Museum Tinguely, Basilea y Museo Guggenheim Bilbao
Fechas: 12 de febrero 2010-12 de septiembre 2010

Casi dos años después de la muerte de Robert Rauschenberg, el 12 de mayo de 2008, el Museo Guggenheim Bilbao rinde un homenaje póstumo a este gran artista acogiendo, del 13 de febrero al 12 de septiembre de 2010, Robert Rauschenberg: Gluts, una exposición formada por cerca de sesenta trabajos, que presenta un aspecto poco conocido de su obra en metal por medio de fondos del Patrimonio Rauschenberg y préstamos de instituciones y colecciones privadas de varios países.

Robert Rauschenberg dirigió su atención artística hacia la exploración de las propiedades visuales del metal después de haber experimentado con sus célebres Combines, que fusionaban pintura bidimensional con la escultura a finales de la década de 1950, de sus exploraciones en torno al arte tecnológico de los años sesenta, y tras poner énfasis en las fibras naturales del papel, el cartón y el tejido en los setenta. En 1986, Rauschenberg comenzó a ensamblar objetos metálicos fundidos y a experimentar con sus propias imágenes fotográficas impresas en aluminio, bronce, latón o cobre, con el fin de captar las posibilidades reflexivas, escultóricas, temáticas y de textura del material. El artista siguió creando con este nuevo material de forma intermitente hasta 1995.

En noviembre de 1998 el Museo Guggenheim Bilbao acogía la retrospectiva más completa que se había realizado hasta la fecha del genial artista norteamericano. Una muestra que destacó en el panorama expositivo internacional por la cantidad y calidad de las obras mostradas y que enfatizaba la extraordinaria belleza de los formatos presentados en los recién diseñados espacios de Frank Gehry, propiciando un interesante lenguaje de diálogos y disciplinas. Once años más tarde, el Museo Guggenheim Bilbao cierra el círculo abierto por aquella gran retrospectiva acogiendo Gluts, la última serie en la que el artista trabajó antes de su muerte.

Es Baluard, hasta el 2 de mayo de 2010

Juan Uslé (Santander 1954), como uno de los grandes referentes de la abstracción contemporánea, ha logrado que su obra se encuentre presente en las colecciones públicas más importantes de España, Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Alemania, Bélgica, Irlanda, Austria, Portugal o Japón, así como entre los fondos de Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma donde celebra con Nudos y Rizomas la que es su primera exposición individual en las Illes Balears, una cuidada selección de las obras más complejas y enérgicas de cuantas ha realizado entre 1993 y 2009.

Pinturas de colores vibrantes y de grandes contrastes entre las geometrías y los gestos componen estos Nudos y Rizomas que hacen referencia precisamente a los intrincados gestos así como al crecimiento indefinido de los brotes que en botánica son conocidos como rizomas.

El caos y la intersección de las imágenes que le son cotidianas, el pálpito acelerado de la vida en Nueva York, donde desde 1987 reside buena parte del año, pero también el discurrir de la naturaleza de Saro, Cantabria, donde también tiene estudio, quedan reflejados en estas obras que se contemplan cargadas de superposiciones.

Y es que Juan Uslé, desde un inconformismo manifiesto, busca en la pintura los gestos, los contrastes de formas y de colores que todavía pueden sorprenderle tras casi cuarenta años de ejercicio pictórico.

Según Fernando Francés, comisario de Nudos y Rizomas, en la pintura de Juan Uslé “cada signo, cada aparente e insignificante pincelada, cada rasgo, cada color…están cumpliendo una función determinada“.

El comisario de la muestra, con la que Es Baluard inaugura el año 2010 y con la que celebra el sexto aniversario del museo, propone una mirada atenta a las 21 obras que constituyen la exposición: “el trabajo de Uslé requiere que la mirada del espectador traspase una impresión puramente estética, tan característica a su vez en la obra del artista, para intentar entender, entonando la mirada, cuál pudo ser la intención de un pintor que se divierte jugando con las partículas de un paisaje contaminado de sobras, movimientos, luces y reflejos.”

20 enero - 20 febrero de 2010
Sala de Arte Joven
Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid
Inauguración: 19 de enero a las 20:00 horas
Entrada gratuita

http://www.madrid.org/
La programación de exposiciones de la Sala de Arte Joven estrena el 2010 con la muestra “El teatro interior. Sobre ruinas y máscaras“. Una instalación que trata de reconstruir la planta de un hotel, la vida y la historia de los huéspedes que allí se alojaron, un lugar dónde sentir el estremecimiento al que invita la ruina de un hotel abandonado es la historia que nos presentan Noemí Larred y Sol Saura.
Por otra parte, Fernando Martín Godoy nos propone un recorrido pictórico en el que surgen rostros inventados, fruto de la transformación alquímica de la vida por medio de la pintura, parecidos a los que se viene empleando desde el teatro Nô de Japón, desde los rituales primitivos africanos, o en la escultura grecorromana de templos y anfiteatros.
Artistas participantes: Noemí Larred, Sol Saura y Fernando Martín Godoy.
Comisario: Abel H. Pozuelo
Organiza: Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno, Comunidad de Madrid
Horario:
De lunes a sábados: De 11:00 a 14:00 h y de 18:00 a 21:00 h
Domingos y festivos: Cerrado

Sala de Arte Joven
Avda. de América, 13
28002 Madrid
Teléfono: 915642129
http://www.madrid.org/

Del 15 de enero al 22 de abril de 2010

Fundación MAPFRE
Sala Recoletos
Paseo de Recoletos, 23
Madrid
91 581 61 00

http://www.exposicionesmapfrearte.com/impresionismo

Comisarios generales: Pablo Jiménez Burillo y Guy Cogeval.
Organización: FUNDACIÓN MAPFRE y Musèe d’Orsay

Del 15 de enero al 22 de abril de 2010, FUNDACIÓN MAPFRE presentará Impresionismo. Un nuevo Renacimiento, una exposición que recorre la historia del más importante movimiento artístico francés, a través de las 90 grandes obras maestras del MUSÉE D´ORSAY.

La exposición presenta el Impresionismo como la gran eclosión de la modernidad, pero superando la visión tradicional de este movimiento como una ruptura radical con el arte tradicional. Así, junto con la historia del impresionismo, la muestra aborda los convulsos años 70 del siglo XIX, en los que las primeras exposiciones impresionistas conviven con las grandes decoraciones clasicistas de Puvis de Chavannes, con los sueños simbolistas de Moreau o con el triunfo de Manet en el Salón.
La muestra pretende ser un punto de inflexión en los estudios sobre el movimiento impresionista. Manet se convierte en el hilo conductor de la historia de este movimiento, personificando todas sus riquezas y contradicciones: las obras de Manet retoman las lecciones de Goya y Velázquez y, como ellos, sus creaciones nacen con la aspiración de perdurar en los Museos. Pero, a la vez, Manet se convierte en el referente de la “Escuela de Batignolles“, y en el gran amigo de los impresionistas, con los que, sin embargo, nunca quiso exponer.

Por este motivo, la exposición se abre brillantemente con El pífano de Manet, que convive con las obras presentadas en los salones oficiales, entre las que destacan las pinturas de Puvis de Chavannes (Le pigeon, Le ballon y Mujeres a orillas del mar).
Monet se presenta como el artista más virtuoso, tal como se pondrá de manifiesto en obras como La gare Saint-Lazare, Les regates à Argenteuil o La rue Montorgueil: Frente a Monet, Renoir aparece como el más sensual, por el magnetismo de sus desnudos y por su paleta veneciana, que destaca especialmente en La balançoire. Sisley, por su parte, destaca por su gran rigor compositivo, demostrado en sus obras como La neige à Louvenciennes. Pisarro y Cézanne enfatizan la solidez estructural de los elementos de sus obras, algo que se observa desde las primeras obras de Cézanne, como La maison du pendu, hasta las últimas, como Le pont de Maincy.

Degas representa la renovación del clasicismo, a través de obras tan emblemáticas como Le Défilé, La Pedicure o La classe de danse. Su gran amiga, Berthe Morisot, resume con su obra Le berceau el lugar que ahora adquieren las mujeres artistas.

La exposición se cierra brillantemente con las últimas obras de Manet que, sin salir del círculo del arte que se presentaba en los salones, actúa de forma permanente como revulsivo para los jóvenes artistas. L´asperge, el retrato de Clemenceau o L´evasion de Rochefort, cierran la exposición, demostrando el entusiasmo por la modernidad que inició y vertebró brillantemente Manet.

Datos prácticos:

Entrada gratuita
Dirección:
Paseo de Recoletos, 23. Madrid
91 581 61 00
Horario:
Lunes de 14.00 a 20.00
Martes a sábado de 10.00 a 20.00
Domingos y festivos de 11.00 a 19.00

ROBADOS

“VOY A HACER DE MI UNA ESTRELLA”…

33 AÑOS DESPUÉS

Instalación fotográfica

Carlos Pazos, tras realizar varios trabajos en los que el discurso artístico recaía sobre sí mismo decidió, en 1975, presentarse a través de un alter ego definido por los deseos autobiográficos de casi todo el mundo. Con Voy ha hacer de mi una estrella la idea de exhibirse reunió al yo personal con el yo estrella y se colocó en la posición enigmática del rechazo a todo contacto con el entorno real.

De esta forma Pazos asumió múltiples personalidades del star system con lo que declaraba su versatilidad, tanto en las formas como en la imagen.

En los 70 realizó numerosas perfomances y exposiciones en las que desarrollaba momentos de la biografía de su personaje. En las décadas de los 80 y de los 90 el personaje emerge y desaparece puntualmente, en algunas de sus actuaciones e instalaciones: Milonga, 1980;  Mi pathos-doy, 1981; Niños buenos y niños malos, 1992; Shadows de sombras, 1999.

En Robados, 2008, Carlos Pazos, 33 años después del nacimiento de la estrella, vuelve a enfundarse en el personaje. En este caso, sin embargo, no asume una personalidad ajena, sino que actúa como la estrella en que se convirtió a raíz de su voluntad de serlo. Se nos muestra como el individuo que pierde el poder de control sobre sí mismo, sobre su imagen y sobre lo que quiere o no que transcienda de sí mismo. Ya no busca el glamour de la estrella, sino su lado  personal. Esa zona íntima que queda al descubierto se quiera o no, en la fuga continua de los paparazzi que lo persiguen.

La serie Robados es una selección de fotografías tomadas en la Isla de Bali y en Singapore, durante unas vacaciones del Pazos estrella. Reflejan la persecución del famoso por parte de los fotógrafos, en el intento de captar la instantánea que nos muestre la decadencia física y sus esfuerzos por esconderse y desaparecer del papel couché.

Estas imágenes, realizadas con colaboración fotográfica de Joana Roselló, transforman el espacio en una sala en la que fotógrafos y editores, entre mesas de trabajo y “tendederos”, revuelven y elijen las fotografías que serán portada y tripas de las revistas del corazón.

Carlos Pazos
Robados
Galería de Arte “La Aurora”
Plaza de la Aurora, 7
30001 Murcia  (España)

968 23 48 65
629 63 33 57
josefermin@galerialaaurora.com
www.galerialaaurora.com

16 DIC 2009 - 28 FEB 2010

CA2M Centro de Arte Dos de Mayo
Avda. Constitución, 23
Móstoles, Madrid
centrodeartedosdemayo@madrid.org
www.madrid.org/ca2m
Comisaria: Ruth Estévez

Coproducida por: CA2M Centro de Arte Dos de Mayo y Museo de Arte Carrillo Gil, México
Colabora: Casa Sefarad Israel
Desde principios de los años noventa, Guy Ben-Ner ha utilizado como metodología de trabajo filmaciones donde él mismo y su familia actúan como protagonistas. Sus obras plantean una continua negociación entre lo personal y las relaciones con los demás, al ponerlos en permanente diálogo. En la muestra el artista analiza convenciones y arquetipos sociales que convierten sus historias íntimas en pasajes reconocibles para el espectador.
Muchos de los vídeos se inspiran en guiones cinematográficos, cuentos populares y novelas. El análisis de estos pasajes literarios y cinematográficos le permiten explotar las convenciones de la narración fílmica: Cómo contar una historia, cautivar al público a través de una narrativa, mantener un grado de tensión y entretenimiento… Al mismo tiempo, contamina la magia de la ficción mostrándonos sin coerciones las entrañas de lo grabado, sin temor a desvelar trucos.

El escenario de trabajo en muchas de sus obras, es su propio apartamento familiar, modificado rústicamente para los rodajes con una estética low tech. Para Guy Ben-Ner, la vida privada está regulada por narrativas externas que se imponen a la libre elección y autoría. ¿Qué significa cuando se descubren ficciones que se desdoblan en la realidad?, ¿es uno un lector pasivo de su propia vida?. Intercambiando los roles de actor y director, la inverosimilitud de las escenas se mezcla con las relaciones reales existentes entre los personajes, más allá del set de grabación.

A pesar de que pareciera seguir un guión específico, las preguntas abiertas dentro del propio proceso son constantes, como si nunca estuviera seguro del final.
Sin tomar una posición concreta, Guy Ben-Ner nos habla constantemente de la ética y la moral con la misma naturalidad con la que deniega cualquier compromiso o posicionamiento ante estas convenciones. Toma prestadas historias, no tanto por una afición fetichista sino como mero ejercicio de supervivencia. Las metodologías de Guy Ben-Ner son tan heterogéneas, las fuentes de inspiración tan diferentes, que todos los géneros son válidos: del documental a la ficción, del vídeo arte al cine, cualquier excusa es pretexto para poder narrar una historia. 

Guy Ben Ner, Ramat Gan (Israel, 1969). Vive y trabaja en Tel Aviv.

La filmografía oficial de Guy Ben- Ner empieza en 1997 con vídeos cortos donde desarrolla la idea del espacio doméstico, la cual mantendrá a lo largo de gran parte de sus obras. Desde entonces ha producido varios vídeos que han  formado parte de numerosas exposiciones colectivas y muestras individuales.

Algunas de sus exposiciones individuales más importantes son Real Life: Ron Mueck and Guy Ben-Ner National Gallery of Canada, Ottawa, Treehouse Kit, Museum of Contemporary Art, Montreal, Guy Ben-Ner, Center of Contemporary Photography, Melburne, Honey I Shrunk the Kids, Contemporary Arts Center, Cincinnati Elia-A Story of an Ostrich Chick, The Hertzeliya Museum, Hertzeliya, Israel.

Algunas de sus exposiciones colectivas más destacadas son Onlyconnect, Chelsea Art Museum, Nueva York, Real Time: Art in Israel 1998-2008, Israel Museum, Jerusalem, History Will Repeat Itself, Centre for Contemporary Art, Varsovia, Traum und Trauma, Haus der Kulturen der Welt, Berlín, Wild Boy, “Premieres” screening series, MoMA, Nueva York, Moby Dick, MoMA QNS Lobby Projections, Nueva York, Becoming father-becoming enfant, The Bronx Museum, Nueva York, MFA show, Columbia University, Nueva York.
Entre sus trabajos también destacan los festivales de video donde ha participado como Höhepunkte der Kölner Kunst Film Biennale, Berlín, 53rd International Short Film Festival Oberhausen, Kunst Film Biennale, Colonia, Vídeo X, Momenta, Brooklyn, NY. Y las bienales de arte contemporáneo como la se Shanghai, Experimenta Playground y la de Venecia.

ACTIVIDADES PARALELAS:
Ciclo de Cine. En torno a Guy Ben-Ner. Viernes del 15 enero al 26 febrero 20:30 h
Taller de creación con Guy Ben-Ner. 26 al 28 febrero.
Formación del profesorado. Visita coloquio a la exposición 12 de enero 18:30 h
Visitas guiadas sábados 12:30 h y domingos 18:30 h para grupos, con cita previa en educacion.ca2m@madrid.org
Más información: www.madrid.org/ca2m
DIRECCIÓN
CA2M Centro de Arte Dos de Mayo
Avda de la Constitución, 23
Móstoles, Madrid
centrodeartedosdemayo@madrid.org
HORARIO
De martes a domingo: de 11:00 a 21:00 horas
Cerrado: lunes; 24, 25 y 31 de diciembre; 1 y 6 de enero.
INDICACIONES DE ACCESO
Metro: L12 Pradillo
Cercanías: C5 Móstoles (23 minutos desde Embajadores)
www.madrid.org/centrodeartedosdemayo/el_centro/ubicacion.html
ENTRADA GRATUITA AL CENTRO Y A TODAS SUS ACTIVIDADES

UN DESAFÍO A LA ARQUITECTURA MODERNA
Raili y Reima Pietilä
Del 17 de diciembre de 2009 al 21 de febrero de 2010
MUICO. Museo Colecciones ICO
C/ Zorrilla 3, MADRID

De martes a sábados: 11:00 a 20:00 h
Domingos y festivos: 10:00 a 14:00 h
Lunes cerrado
Entrada Gratuita
Teléfono: 91 420 12 42
www.fundacionico.es

Entre el 17 de diciembre y el 21 de febrero tendrá lugar en el MUICO. Museo Colecciones ICO la exposición UN DESAFÍO A LA ARQUITECTURA MODERNA de Raili y Reima Pietilä.
Reima Pietilä nació en 1923 en Turku, Finlandia. Además de sus estudios como arquitecto, trabajó y reflexionó en profundidad sobre lingüística y filosofía, y esto se convirtió en parte inseparable de su obra como arquitecto.

Desde que en 1956 ganara el concurso para diseñar el Pabellón de Finlandia en la Expo ‘58 de Bruselas dio comienzo para él su carrera como arquitecto independiente.
A principios de la década de los 60, Reima Pietilä empezó a trabajar con Raili Paatelainen, graduada como arquitecta en 1956. Se casaron en 1963, y más tarde el nombre del estudio se transformó en “Raili y Reima Pietilä Arquitectos”. Realizó gran parte de su obra en colaboración con su mujer, buscando un camino que fuera más allá de la arquitectura moderna.

Para dar con una solución a un problema de diseño, experimentaban realizando innumerables bocetos, renovando sin cesar su lenguaje arquitectónico individualista. A causa de la posición pública de Reima Pietilä, el trabajo del estudio fue identificado a menudo con él, mientras que la contribución de Raili Pietilä  solía pasar desapercibida a pesar de que Reima recordaba una y otra vez el papel de su esposa.
Reima Pietilä murió en 1993. En 2002, Raili Pietilä y la hija de ambos, la arquitecta Annukka Pietilä, donaron el archivo del estudio, con cerca de 30.000 dibujos y material diverso, al Museo de Arquitectura Finlandesa.
Un desafío a la arquitectura moderna es una muestra de la obra de estos dos famosos arquitectos. Realizada en colaboración con el Museo de Arquitectura Finlandesa de Helsinki, se centra en 9 de sus proyectos más importantes, presentados mediante una amplia selección de bocetos originales, material fotográfico, copias de dibujos y breves textos descriptivos.

Varias maquetas hacen posible observar,  por ejemplo, las diferentes etapas de la construcción de Mäntyniemi (1983-1993), la residencia oficial del Presidente de Finlandia, proyecto ganador de un concurso de diseño. En la exposición podrán contemplarse, además de proyectos ejecutados, algunos otros que no pasaron de los planos y una pequeña selección del trabajo artístico de Reima Pietila. 16 maquetas y la película “Estaciones - Cuatro recorridos a través de la arquitectura de Raili y Reima Pietila” completan la exposición.

ANDRÉS RÁBAGO
“LAS VENTANAS CIEGAS”
Obra reciente 

Inauguración jueves 17 de diciembre a las 20 horas

Del 17 de diciembre al 23 de enero de 2010

Si desea visitar la exposición virtualmente: http://www.galeriabat.com/

albertocornejo@galeriabat.com
mariamalcaraz@galeriabat.com

Tel.: 915544810
Tel.: 915544920
Andrés Rábago, Madrid 1947, sobradamente conocido como dibujante satírico en prensa bajo el seudónimo de El Roto, es también un pintor de larga trayectoria y fuerte personalidad.

Su obra pictórica, se caracteriza por el contraste de planos y volúmenes  y la alta intensidad cromática de su paleta.
Incluido por el crítico Joan Bufill en el grupo de los neometafísicos, Rábago, riguroso y metódico,  rehúye toda retórica plástica, y oculta, bajo una aparente simplicidad, un complejo mundo de referencias culturales y religiosas que hacen de su trabajo uno de los más ricos y sorprendentes del actual panorama artístico.

Según sus propias palabras recogidas de algunas entrevistas, busca “recuperar el espíritu pictórico de cuando el ego aún no había ocupado el espacio de lo representado”.

Galería BAT Alberto Cornejo
María de Guzmán, 61
28003 Madrid